El deseo por vivir una experiencia "efectiva" del momento presente no tiene que ver con la elaboración de una sistema (un a priori) que nos permita entender esa vivencia, es decir, no se puede aprender o enseñar a "vivir el presente"; el momento es algo que pasa en la acción propia del vivir, se construye-haciendo. Algo parecido sucede en el espacio de la pintura, un cuadro encierra un lugar (limita una vivencia o una experiencia) donde la forma se produce. En una pintura el contenido emerge de la forma, cuanto más si se trata de una forma abstracta que intenta escapar de la acción de nuestra memoria (referente figural o simbólico) favoreciendo la concentración en el presente. El espacio abstracto de la pintura construye un juego simbólico que produce un "desdoblamiento del momento", se ramifican los significados: el espectador se convierte a su vez en creador de la obra al atribuirle un peso momentáneo a las formas, los colores y los trazos que percibe en el lienzo.

Los elementos de un cuadro (el material) encierran un desarrollo, o mejor dicho, proponen una lectura del espacio pintado sobre la tela, la observación se vuelve acto previo a toda tentativa de organización conceptual. Lo abstracto en la pintura conduce, por decirlo de alguna manera, a un equilibrio de la percepción: para el pintor, un equilibrio entre el material y su articulación; para el espectador, el equilibrio es más precario ya que estos dos aspectos son incluidos en su lectura, añadiendo finalmente su propia interpretación. La obra pictórica se formaliza en la oscilación de elementos que va del pintor al espectador.

El que ve la obra puede captar la expresión del cuadro sin la necesidad de seguir un procedimiento analítico-sintáctico preestablecido, sin embargo es indispensable su atención, su visión directa sobre las cosas que "pasan" en el cuadro; la pintura encierra una temporalidad. Recordamos en este punto el concepto de temporalidad que el compositor norteamericano Feldman llamó la forma momentánea (Momentform), donde el espacio abstracto de una obra (musical o pictórica) es concebido a partir de un equilibrio precario entre percepción y creación de nuevos significados que emergen de la percepción.

La obra aquí presentada fue trabajada entre 2007 y 2008, incluye grandes formatos y retoma elementos característicos de la pintura de Enrique Fuentes, vemos por ejemplo la figura central en forma de gran cúpula que encierra una parte humana y una parte estructural (estructura animal, estructura mineral, estructura espacial...). Esta figura, que no deja definirse plenamente, provoca la sinergia de todo elemento dentro del cuadro: la cúpula absorbe lo que le rodea, pero también es un punto de fuga que crea las condiciones extrínsecas al espacio del color. En cuanto a éste, vemos que el trabajo sobre sus diversas graduaciones ha sido un punto central en la obra de Fuentes, aunque siempre retomado bajo una perspectiva diferente. En esta nueva serie de cuadros, la graduación se vuelve más espectral: el evidente manejo del espectro o gama de luz que forman los choques entre oscuros y claros es mucho más elaborado, llevándonos hacia una sensación multidimensional de las formas; sin duda, éste es uno de los aspectos fundamentales a resaltar en esta serie y en su obra reciente. La descomposición geométrica, referencia que viene desde el inicio de su obra, se encuentra también citada, aunque ahora se advierten espacios más amplios (bloques) que se rompen en bordes de líneas detalladas y puntos esparcidos de pintura, como si fuese una granulación del color en sus diferentes texturas. La obra actual de Fuentes es más gestual y múltiple: se puede apreciar en su globalidad pero al mismo tiempo nos invita a revisar los detalles con cercanía.

Enrique Fuentes ha tomado siempre vías alternativas a la pintura. En relación al proceso de construcción de la obra, es para él igual de importante la música como el cine. Estas dos artes amplían su discurso pictórico basado en conceptos como edición, movimiento, temporalidad, improvisación, secuencia, etc. Así, vemos en la obra de Fuentes, y en particular la presentada para esta exposición, que los espacios son construidos (al igual que el grafismo en una partitura musical de la obra de Feldman) por notaciones. Las notaciones se agrupan en el cuadro de acuerdo a la operación que ellas realizan: hay notaciones que son determinantes, como los espacios claros y los espacios opacos, otras más flexibles. como los bordes, y otras indeterminadas, como los eventos (unión entre bloques de color y línea) que proveen de movimiento al cuadro. La temporalidad de la obra se forma en base a una improvisación eventual, como podríamos encontrar en los procesos de improvisación de la música donde lo que está escrito sobre la partitura no es una limitante para el intérprete sino una guía a seguir. Las obras aquí expuestas denotan una ligereza y elasticidad en la articulación de los elementos pictóricos, se les podría atribuir un carácter fugitivo, la narración no es lineal, es más bien estática, transmitiendo siempre una forma momentánea.